Mireia Sentís, a medio camino entre Barcelona, Nueva York y Madrid, ha desarrollado durante tres décadas trabajos como fotógrafa, periodista de prensa y televisión, comisaria de exposiciones, crítica de arte y escritora de ensayos. Este proyecto integra una exposición que mostrará parte de sus piezas fotográficas y un ciclo de conferencias en el que presentará su proceso creativo con la fotografía, sus trabajos en televisión y la actualidad de sus proyectos ensayísticos en torno a las culturas chicanas y afroamericanas.

Las series que se presentarán son:
Corners
Black Suite
Claustrofobia
Joyas
Máxima Audiencia
Felicion

Mireia Sentís, a medio camino entre Barcelona, Nueva York y Madrid, ha desarrollado durante tres décadas trabajos como fotógrafa, periodista de prensa y televisión, comisaria de exposiciones, crítica de arte y escritora de ensayos. Este proyecto integra una exposición que mostrará parte de sus piezas fotográficas y un ciclo de conferencias en el que presentará su proceso creativo con la fotografía, sus trabajos en televisión y la actualidad de sus proyectos ensayísticos en torno a las culturas chicanas y afroamericanas.

Las series que se presentarán son:
Corners
Black Suite
Claustrofobia
Joyas
Máxima Audiencia
Felicion

Links relacionados:
www.youtube.com/artssantamonica | www.flickr.com/photos/artssantamonica

Después de la caída de Barcelona, en los últimos meses de la Guerra Civil española, el fotoperiodista Agustí Centelles fue internado con miles de refugiados españoles en el campo de concentración de Bram, en territorio francés, donde permaneció preso del 1 de marzo al 13 de septiembre de 1939. A partir de la huída de Barcelona y durante la estancia y posterior salida del campo de concentración de Bram, Centelles escribió un diario que ha sido publicado recientemente. Asimismo realizó alrededor de 600 imágenes de carácter documental de la vida en el campo de concentración, de una fuerza expresiva conmovedora. Se trata de un testimonio único y extraordinario de la vida en un campo de concentración en la Europa del siglo xx. La exposición mostrará una selección de estas imágenes, así como una selección de textos de su diario y documentación sobre el campo de concentración de Bram.

Después de la caída de Barcelona, en los últimos meses de la Guerra Civil española, el fotoperiodista Agustí Centelles fue internado con miles de refugiados españoles en el campo de concentración de Bram, en territorio francés, donde permaneció preso del 1 de marzo al 13 de septiembre de 1939. A partir de la huída de Barcelona y durante la estancia y posterior salida del campo de concentración de Bram, Centelles escribió un diario que ha sido publicado recientemente. Asimismo realizó alrededor de 600 imágenes de carácter documental de la vida en el campo de concentración, de una fuerza expresiva conmovedora. Se trata de un testimonio único y extraordinario de la vida en un campo de concentración en la Europa del siglo xx. La exposición mostrará una selección de estas imágenes, así como una selección de textos de su diario y documentación sobre el campo de concentración de Bram.

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Usman Haque / Bestiario, Santiago Ortiz / Laurent Mignonneau, ChristaSommerer / José Manuel Berenguer / Sony Lab: Luc Steels, MichaelSpranger, Martin Loetzsch / Raquel Paricio, Juan Manuel MorenoAróstegui / Interaction Research Studio-Goldsmiths-University of London/ Prospect and Innovation Studio-Goldsmiths-University of London: MikeWaller, Terry Rosenberg, Pete Rogers, Andrew Weatherhead, DuncanFairfax / Digital Methods Initiative: Richard Rogers, EstherWeltevrede, Erik Borra, Marieke van Dijk / Govcom.org Foundation:Alexander Galloway, Erik Borra, Michael Stevenson, Marieke van Dijk

CULTURAS DEL CAMBIO. ÁTOMOS SOCIALES Y VIDAS ELECTRÓNICAS estudia las dinámicas culturales y sociales desde una perspectiva altamente multidisciplinaria, de la mano de las ciencias de la complejidad y las tecnologías digitales. El proyecto expositivo, a manera de instalación, presenta trabajos internacionales de tecnología cálida y aliento humano, procedentes de instituciones académicas y centros de investigación, o bien realizadas por artistas con una larga experiencia en este ámbito.
La exposición nace con la celebración del congreso internacional CULTURES OF CHANGE | CHANGING CULTURES en Barcelona, financiado por la Unión Europea (www.atacd.net), en la cual sociólogos, filósofos, matemáticos, biólogos, físicos, tecnólogos y artistas aportan su visión sobre las dinámicas culturales en el mundo contemporáneo.

El proyecto presenta un conjunto de talleres y un amplio abanico de actividades relacionadas con las piezas expuestas.

Usman Haque / Bestiario, Santiago Ortiz / Laurent Mignonneau, ChristaSommerer / José Manuel Berenguer / Sony Lab: Luc Steels, MichaelSpranger, Martin Loetzsch / Raquel Paricio, Juan Manuel MorenoAróstegui / Interaction Research Studio-Goldsmiths-University of London/ Prospect and Innovation Studio-Goldsmiths-University of London: MikeWaller, Terry Rosenberg, Pete Rogers, Andrew Weatherhead, DuncanFairfax / Digital Methods Initiative: Richard Rogers, EstherWeltevrede, Erik Borra, Marieke van Dijk / Govcom.org Foundation:Alexander Galloway, Erik Borra, Michael Stevenson, Marieke van Dijk

CULTURAS DEL CAMBIO. ÁTOMOS SOCIALES Y VIDAS ELECTRÓNICAS estudia las dinámicas culturales y sociales desde una perspectiva altamente multidisciplinaria, de la mano de las ciencias de la complejidad y las tecnologías digitales. El proyecto expositivo, a manera de instalación, presenta trabajos internacionales de tecnología cálida y aliento humano, procedentes de instituciones académicas y centros de investigación, o bien realizadas por artistas con una larga experiencia en este ámbito.
La exposición nace con la celebración del congreso internacional CULTURES OF CHANGE | CHANGING CULTURES en Barcelona, financiado por la Unión Europea (www.atacd.net), en la cual sociólogos, filósofos, matemáticos, biólogos, físicos, tecnólogos y artistas aportan su visión sobre las dinámicas culturales en el mundo contemporáneo.

El proyecto presenta un conjunto de talleres y un amplio abanico de actividades relacionadas con las piezas expuestas.

Colabora
A Topological Approach to Cultural Dynamics (NEST PathFinder, dentro del VI programa marco de la Unión Europea), Goldsmiths - University of London, Media Studies - Universiteit van Amsterdam, Universitat de Barcelona, Advanced Hardware Architectures - Universitat Politècnica de Catalunya, Neàpolis, Universitat Oberta de Catalunya, BEEP.

Agradecimientos
Ramon Balagué, Vicente Matallana, Michele Catanzaro, EventLab UB, Pere Monràs, Carles Tardío, Oriol Vallès, YProductions, Gennaro Ascione, Jasmina Bolfek-Radovani, Alex Adriaansens, Matthew Fuller, Celia Lury, Sergi Valverde, Albert Díaz-Guilera, Alex Arenas, Esteban Moro, Fabian Muniesa, Jaume Masoliver, Eugene Stanley, Maxi Sanmiguel, Dirk Helbing, Philip Ball, Maximilian Schich, Albert-László Barabási, Mike Michael, James Crutchfield, Tiziana Terranova.

Links relacionados:
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Links de interés: http://www.atacd.net


SERVICIO DE VISITAS GUIADAS, hasta el 28 de febrero
Visitas guiadas realizadas por los participantes de la exposición | Imprescindible reservar al 93 567 11 10

Público en general
todos los jueves a las 19:00h
todos los sábados a las 18:00h
DURADA: 60’ aprox

Sesiones Escolares 
de martes a viernes  
sesiones a las 10:00h 
grupos de 25-30 alumnos
DURADA: 60’ aprox

Quim Monzó (Barcelona, 1952) es uno de los escritores catalanes más reconocidos. Autor de cuentos y novelas, columnista diario, autor de reportajes de actualidad relacionados con los grandes conflictos internacionales, colaborador de radio y televisión, su obra ha sido traducida en todo el mundo.

La exposición MONZÓ se basa en un trabajo de investigación que permite sacar a la luz aspectos desconocidos de su trayectoria: desde los orígenes familiares al viaje a la guerra del Vietnam del 1973, su actividad como diseñador y humorista gráfico, la estancia en Nueva York a principios de los ochenta o la influencia del síndrome de Tourette en sus creaciones. Monzó aparece en la exposición como un extraordinario fabulador, observador minucioso de la condición contemporánea.

Con este proyecto la Institució de les Lletres Catalanes y Arts Santa Mònica retoman la línea de exposiciones literarias iniciada por el KRTU con las exposiciones dedicadas a J. V. Foix, Josep Pla, Joan Perucho, Josep Palua i Fabre o Joan Brossa.

Quim Monzó (Barcelona, 1952) es uno de los escritores catalanes más reconocidos. Autor de cuentos y novelas, columnista diario, autor de reportajes de actualidad relacionados con los grandes conflictos internacionales, colaborador de radio y televisión, su obra ha sido traducida en todo el mundo.

La exposición MONZÓ se basa en un trabajo de investigación que permite sacar a la luz aspectos desconocidos de su trayectoria: desde los orígenes familiares al viaje a la guerra del Vietnam del 1973, su actividad como diseñador y humorista gráfico, la estancia en Nueva York a principios de los ochenta o la influencia del síndrome de Tourette en sus creaciones. Monzó aparece en la exposición como un extraordinario fabulador, observador minucioso de la condición contemporánea.

Con este proyecto la Institució de les Lletres Catalanes y Arts Santa Mònica retoman la línea de exposiciones literarias iniciada por el KRTU con las exposiciones dedicadas a J. V. Foix, Josep Pla, Joan Perucho, Josep Palua i Fabre o Joan Brossa.

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Links de interés: http://www.monzo.info | http://cultura.gencat.cat/ilc |

Sociedades Virtuales. Gamer’s edition es un recorrido reflexivo por las fronteras entre realidad y virtualidad, juego e interacción social, creatividad y comunicación. Arranca del juego de guerra, inventado en la Prusia de primer tercio del siglo xix, y contempla la evolución de sus mecánicas hasta el establecimiento del juego de rol masivo en línea, pasando por la concepción del videojuego como herramienta de demiúrgica, el papel del avatar como encarnación divina y/o intromisión narrativa, el papel de los multiversos, y el retorno al mundo físico de las creaciones virtuales.

La exposición es una especie de cinemateca transitable, una serie de puntos de luz emiten escenas de videojuegos como SimCity, The Sims, Spore, Populous, Black & White, Fable, World of Warcraft, Ultima Online, EverQuest, EyePet o Wheelman, así como también cinemáticas de universos como Second Life o Habbo Hotel, documentales-testimonio y objetos táctiles y olfativos. Los balcones del primer piso se han cegado: desde fuera podremos ver el rostro de los jugadores, emitido por vídeo en tiempo real.

El sujeto es el simulacro, el espejismo, de unos juegos que, como la estética, la comunicación y la ciencia, tienen como finalidad el conocimiento, no las reglas y sus limites en sí. Ya no las pantallas, sino rostros en frenesí.

Sociedades Virtuales. Gamer’s edition es un recorrido reflexivo por las fronteras entre realidad y virtualidad, juego e interacción social, creatividad y comunicación. Arranca del juego de guerra, inventado en la Prusia de primer tercio del siglo xix, y contempla la evolución de sus mecánicas hasta el establecimiento del juego de rol masivo en línea, pasando por la concepción del videojuego como herramienta de demiúrgica, el papel del avatar como encarnación divina y/o intromisión narrativa, el papel de los multiversos, y el retorno al mundo físico de las creaciones virtuales.

La exposición es una especie de cinemateca transitable, una serie de puntos de luz emiten escenas de videojuegos como SimCity, The Sims, Spore, Populous, Black & White, Fable, World of Warcraft, Ultima Online, EverQuest, EyePet o Wheelman, así como también cinemáticas de universos como Second Life o Habbo Hotel, documentales-testimonio y objetos táctiles y olfativos. Los balcones del primer piso se han cegado: desde fuera podremos ver el rostro de los jugadores, emitido por vídeo en tiempo real.

El sujeto es el simulacro, el espejismo, de unos juegos que, como la estética, la comunicación y la ciencia, tienen como finalidad el conocimiento, no las reglas y sus limites en sí. Ya no las pantallas, sino rostros en frenesí.

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El espacio Archivo de Arts Santa Mònica presenta una exposición que nace de la donación generosa que Phillippe y Dorothée Selz han hecho en el Museu del Juguet de Catalunya de la colección de un conjunto de colecciones que sus padres, Françoise y Guy Selz, reunieron durante 50 años (1925-1976) y que ellos mismos fueron completando, hasta el extremo de hacer crecer un arte insólito en la artista Dorothée Selz, con raíces en la cultura popular, y, por extensión, en el grupo de artistas catalanes en París. Dorothée y Phillippe Selz son herederos de la obra hecha por sus padres a lo largo del siglo XX. Ahora aquel universo inventivo de la «Colección de colecciones» –cromolitografías, papeles rizados, relicarios, cruces, exvotos, pájaros, muñecas, animales, máscaras, soldados de plomo, imágenes populares, cuadros de cromos, barcos, etc.– se presentará en un nuevo contexto para que, tal como escribía en el catálogo de la exposición el conservador François Mathey, «los coleccionistas, más que otros, experimentan la nostalgia de un mundo que se descompone y la necesidad, cada uno a su manera y en la medida de lo posible, de salvar algunos trozos para que sirvan de testimonio».

La exposición, como se indica en el catálogo, recoge el espíritu del coleccionista que, a diferencia del museólogo, no trabaja para preservar la memoria, sino para captar su energía, y lo hace a partir de agrupaciones de objetos que crean un conjunto de sistemas de multiconocimientos transversales, con una figuración repetitiva que conforma la ecología de lo auténtico ante la barbarie de la tecnología.

El espacio Archivo de Arts Santa Mònica presenta una exposición que nace de la donación generosa que Phillippe y Dorothée Selz han hecho en el Museu del Juguet de Catalunya de la colección de un conjunto de colecciones que sus padres, Françoise y Guy Selz, reunieron durante 50 años (1925-1976) y que ellos mismos fueron completando, hasta el extremo de hacer crecer un arte insólito en la artista Dorothée Selz, con raíces en la cultura popular, y, por extensión, en el grupo de artistas catalanes en París. Dorothée y Phillippe Selz son herederos de la obra hecha por sus padres a lo largo del siglo XX. Ahora aquel universo inventivo de la «Colección de colecciones» –cromolitografías, papeles rizados, relicarios, cruces, exvotos, pájaros, muñecas, animales, máscaras, soldados de plomo, imágenes populares, cuadros de cromos, barcos, etc.– se presentará en un nuevo contexto para que, tal como escribía en el catálogo de la exposición el conservador François Mathey, «los coleccionistas, más que otros, experimentan la nostalgia de un mundo que se descompone y la necesidad, cada uno a su manera y en la medida de lo posible, de salvar algunos trozos para que sirvan de testimonio».

La exposición, como se indica en el catálogo, recoge el espíritu del coleccionista que, a diferencia del museólogo, no trabaja para preservar la memoria, sino para captar su energía, y lo hace a partir de agrupaciones de objetos que crean un conjunto de sistemas de multiconocimientos transversales, con una figuración repetitiva que conforma la ecología de lo auténtico ante la barbarie de la tecnología.

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Hasta el 14 de marzo | EL POLVORÍ (La Poudrière). Calle François Rebelais. Perpinyà

Agustí Centelles. El Campo de concentración de Bram, 1939

Hasta el 14 de marzo | EL POLVORÍ (La Poudrière). Calle François Rebelais. Perpinyà

Agustí Centelles. El Campo de concentración de Bram, 1939

Inauguración | Patio de La Casa Encendida, Madrid | 11 de febrero, 2010 | 18.00h | www.lacasaencendida.es

http://www.artssantamonica.cat/exposicions.aspx?any=2009#exposicio9

Inauguración | Patio de La Casa Encendida, Madrid | 11 de febrero, 2010 | 18.00h | www.lacasaencendida.es

http://www.artssantamonica.cat/exposicions.aspx?any=2009#exposicio9

«La Antártida es la presencia visible del cambio. El tiempo cronometrado se materializa en un discurrir sin pausa de sol y niebla, de calma, de nevadas y pedregales despejados por el viento, de mareas, de avances y retrocesos de témpanos y escombros sobre la bahía. Es un paisaje en movimiento, nada permanece mas allá del instante. Aquí en la Antártida cada segundo tiene el valor del presente. Aparece y desaparece antes de poder recordarlo.» Mireya Masó

Mireya Masó emplea como medios más habituales el vídeo y la fotografía, y se centra durante los últimos años en el estudio del ser humano a través de su proyección en el paisaje. Sin embargo, en ANTÁRTIDA. TIEMPO DE CAMBIO Mireya Masó se confronta a un paisaje natural apenas intervenido por el hombre, y dirige su investigación hacia los mecanismos de percepción del ser humano frente a un medio en continua transformación.

La exposición, que dialoga con la investigación científica desde la perspectiva artística, parte del trabajo de campo realizado durante el verano austral del 2006 en las bases argentinas de la Antártida, en colaboración con la ecóloga marina Mercedes Masó.

A partir de las conversaciones mantenidas entre la artista y algunos científicos procedentes de distintas disciplinas, se organizará un encuentro, en paralelo a la exposición, para abordar cuestiones como la percepción en el medio antártico, desde la glaciología, biología, psicología, neurología y otras discisplinas; y la interpretación de los microorganismos antárticos desde la bionanotecnología y la arquitectura. De esta forma, se fijan dos ejes desde la percepción tanto macroscópica, mostrada a través de los témpanos que conforman el paisaje antártico, como microscópica, a partir de una experimentación con las diatomeas, parte del fitoplancton antártico.

Esta muestra completa y concluye un ciclo de investigación de la artista, de tres años de duración, centrado en la Antártida. Se presenta por primera vez en Santa Mònica un material inédito y producido para esta ocasión.

El proyecto expositivo irá acompañado también de un ciclo de actividades destinadas a un amplio público (que incluye grupos escolares) con el objetivo de aproximarse a la Antártida y, en general, reflexionar sobre el medio ambiente.

El proyecto cuenta con la colaboración de la Dirección Nacional del Antártico Argentino (DNA), el Institut de Ciències del Mar de Barcelona (CSIC) y el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya (IAAC). La exposición formará parte del programa «I do», un proyecto europeo que engloba centros y museos en una acción colectiva contra el cambio climático durante el 2010, dentro del VII Programa Marco de la Unión Europea.

«La Antártida es la presencia visible del cambio. El tiempo cronometrado se materializa en un discurrir sin pausa de sol y niebla, de calma, de nevadas y pedregales despejados por el viento, de mareas, de avances y retrocesos de témpanos y escombros sobre la bahía. Es un paisaje en movimiento, nada permanece mas allá del instante. Aquí en la Antártida cada segundo tiene el valor del presente. Aparece y desaparece antes de poder recordarlo.» Mireya Masó

Mireya Masó emplea como medios más habituales el vídeo y la fotografía, y se centra durante los últimos años en el estudio del ser humano a través de su proyección en el paisaje. Sin embargo, en ANTÁRTIDA. TIEMPO DE CAMBIO Mireya Masó se confronta a un paisaje natural apenas intervenido por el hombre, y dirige su investigación hacia los mecanismos de percepción del ser humano frente a un medio en continua transformación.

La exposición, que dialoga con la investigación científica desde la perspectiva artística, parte del trabajo de campo realizado durante el verano austral del 2006 en las bases argentinas de la Antártida, en colaboración con la ecóloga marina Mercedes Masó.

A partir de las conversaciones mantenidas entre la artista y algunos científicos procedentes de distintas disciplinas, se organizará un encuentro, en paralelo a la exposición, para abordar cuestiones como la percepción en el medio antártico, desde la glaciología, biología, psicología, neurología y otras discisplinas; y la interpretación de los microorganismos antárticos desde la bionanotecnología y la arquitectura. De esta forma, se fijan dos ejes desde la percepción tanto macroscópica, mostrada a través de los témpanos que conforman el paisaje antártico, como microscópica, a partir de una experimentación con las diatomeas, parte del fitoplancton antártico.

Esta muestra completa y concluye un ciclo de investigación de la artista, de tres años de duración, centrado en la Antártida. Se presenta por primera vez en Santa Mònica un material inédito y producido para esta ocasión.

El proyecto expositivo irá acompañado también de un ciclo de actividades destinadas a un amplio público (que incluye grupos escolares) con el objetivo de aproximarse a la Antártida y, en general, reflexionar sobre el medio ambiente.

El proyecto cuenta con la colaboración de la Dirección Nacional del Antártico Argentino (DNA), el Institut de Ciències del Mar de Barcelona (CSIC) y el Institut d’Arquitectura Avançada de Catalunya (IAAC). La exposición formará parte del programa «I do», un proyecto europeo que engloba centros y museos en una acción colectiva contra el cambio climático durante el 2010, dentro del VII Programa Marco de la Unión Europea.

Per La Rambla de Barcelona transiten tot tipus de gent i de llengües, amb el mar com a límit. Amb RAMBLAPARAULES es convida a tothom qui ho desitgi a fer un passeig de lectura entre dues institucions d'ampli arrelament a la cultura de la ciutat, com són l'Ateneu Barcelonès i Arts Santa Mònica. Una convocatòria pública per omplir La Rambla de paraules sorgides de la lectura en veu alta de tota mena de texts de creació, des de la poesia fins a la història, des de la filosofia a la ciència, passant per la narrativa o l'assaig, que cadascú vulgui aportar i en la llengua que prefereixi.

L’inici serà al Pati de Carruatges de l'Ateneu amb una il·lustre representació de 26 personalitats de la cultura catalana, que seran rellevades per uns altres 26 lectors proposats pels artistes i que donaran continuïtat al passeig. Des de l'exterior de l'Ateneu s'iniciarà l'acció urbana, amb la participació de qui vulgui afegir-s’hi.

Per La Rambla de Barcelona transiten tot tipus de gent i de llengües, amb el mar com a límit. Amb RAMBLAPARAULES es convida a tothom qui ho desitgi a fer un passeig de lectura entre dues institucions d'ampli arrelament a la cultura de la ciutat, com són l'Ateneu Barcelonès i Arts Santa Mònica. Una convocatòria pública per omplir La Rambla de paraules sorgides de la lectura en veu alta de tota mena de texts de creació, des de la poesia fins a la història, des de la filosofia a la ciència, passant per la narrativa o l'assaig, que cadascú vulgui aportar i en la llengua que prefereixi.

L’inici serà al Pati de Carruatges de l'Ateneu amb una il·lustre representació de 26 personalitats de la cultura catalana, que seran rellevades per uns altres 26 lectors proposats pels artistes i que donaran continuïtat al passeig. Des de l'exterior de l'Ateneu s'iniciarà l'acció urbana, amb la participació de qui vulgui afegir-s’hi.

LA RAMBLA es un proyecto fotográfico surgido de la colaboración entre dos prestigiosos fotógrafos contemporáneos, el catalán Jordi Bernadó (Lleida, 1966) y el italiano Massimo Vitali (Como, 1944), y pretende hacer un retrato de la Barcelona actual a través de uno de los espacios públicos más emblemáticos de la ciudad, La Rambla.

Cada fotógrafo, fiel a su poética visual, presenta su visión peculiar de la Rambla, y en conjunto las fotografías redescubren dos caras, dos perfiles, que son, en definitiva, dos maneras de mirar.

Bernardó se adentra en los interiores de edificios de la Rambla y capta imágenes depuradas y contenidas de espacios inéditos o escondidos, y también de otras imágenes que son familiares pero que resultan extrañas, ambiguas, casi grotescas. Vitali, por su parte, retrata el rostro más público y cosmopolita de la Rambla, el más internacionalmente popular. Sus vistas panorámicas capturan a las multitudes en el paseo urbano como escenario del turismo masificado.

Esta crónica fotográfica a dos manos propone, desde la particularidad de la Rambla de Barcelona, una reflexión crítica sobre la arquitectura, el urbanismo y la transformación de la ciudad contemporánea en la nueva era global.

LA RAMBLA es un proyecto fotográfico surgido de la colaboración entre dos prestigiosos fotógrafos contemporáneos, el catalán Jordi Bernadó (Lleida, 1966) y el italiano Massimo Vitali (Como, 1944), y pretende hacer un retrato de la Barcelona actual a través de uno de los espacios públicos más emblemáticos de la ciudad, La Rambla.

Cada fotógrafo, fiel a su poética visual, presenta su visión peculiar de la Rambla, y en conjunto las fotografías redescubren dos caras, dos perfiles, que son, en definitiva, dos maneras de mirar.

Bernardó se adentra en los interiores de edificios de la Rambla y capta imágenes depuradas y contenidas de espacios inéditos o escondidos, y también de otras imágenes que son familiares pero que resultan extrañas, ambiguas, casi grotescas. Vitali, por su parte, retrata el rostro más público y cosmopolita de la Rambla, el más internacionalmente popular. Sus vistas panorámicas capturan a las multitudes en el paseo urbano como escenario del turismo masificado.

Esta crónica fotográfica a dos manos propone, desde la particularidad de la Rambla de Barcelona, una reflexión crítica sobre la arquitectura, el urbanismo y la transformación de la ciudad contemporánea en la nueva era global.

El 5 de julio de 1983, dentro de la gran sala redonda de la torre Saint-Nicolas que domina el puerto de La Rochelle, durante 24 horas seguidas Valère Novarina realizó 2.587 dibujos con tinta negra y lápiz rojo que representaban a los personajes de su obra El Drama de la Vida, que fue estrenada en el festival de Avinyó el 1986. «¿Por qué 2.587? Es un número cualquiera. Pero lo he probado y funciona: es un múltiple de 13, como todos los números de la Biblia, es reducible a 4, que es la cifra de Adam, la de la materia, de la creación del mundo. Con 3 se obtiene una superficie, con 4 un volumen. Se trata de una puesta en escena de lo genérico. Es muy sencillo, se pide a Adam decir de los que le han precedido. Los enumera.»

La exposición EL TEATRO DEL DIBUJO mostrará la totalidad de estos dibujos, que se pudieron ver por primera vez en la Sala de Teología del Palacio de Avinyó (1986). El conjunto de los dibujos, un registro sonoro de 427 nombres de Dios (extraído de un fragmento de otro de sus libros, La Chair de l’homme) y el archivo de las fichas de los personajes teatrales ayudarán a descubrir la obra de uno de los más destacados creadores de la escena y el arte francés y europeo en su polivalente faceta de escritor, dramaturgo, escenógrafo, pintor y dibujante.

El 5 de julio de 1983, dentro de la gran sala redonda de la torre Saint-Nicolas que domina el puerto de La Rochelle, durante 24 horas seguidas Valère Novarina realizó 2.587 dibujos con tinta negra y lápiz rojo que representaban a los personajes de su obra El Drama de la Vida, que fue estrenada en el festival de Avinyó el 1986. «¿Por qué 2.587? Es un número cualquiera. Pero lo he probado y funciona: es un múltiple de 13, como todos los números de la Biblia, es reducible a 4, que es la cifra de Adam, la de la materia, de la creación del mundo. Con 3 se obtiene una superficie, con 4 un volumen. Se trata de una puesta en escena de lo genérico. Es muy sencillo, se pide a Adam decir de los que le han precedido. Los enumera.»

La exposición EL TEATRO DEL DIBUJO mostrará la totalidad de estos dibujos, que se pudieron ver por primera vez en la Sala de Teología del Palacio de Avinyó (1986). El conjunto de los dibujos, un registro sonoro de 427 nombres de Dios (extraído de un fragmento de otro de sus libros, La Chair de l’homme) y el archivo de las fichas de los personajes teatrales ayudarán a descubrir la obra de uno de los más destacados creadores de la escena y el arte francés y europeo en su polivalente faceta de escritor, dramaturgo, escenógrafo, pintor y dibujante.

Links de interés: www.espaibrossa.com | www.novarina.com

VISIÓN REMOTA quiere ser una muestra del estado actual de las propuestas más innovadoras en el campo del videoarte y ofrecer una visión amplia, y singular a la vez, de las líneas de trabajo más representativas en vídeo desde el 2000. Los trabajos, procedentes de diferentes galerías de arte contemporáneo de todo el mundo, han sido seleccionados a partir de lo que se ha podido ver en las siete ediciones de la Feria LOOP Barcelona (2003-2009). Se trata de un conjunto de casi 50 piezas, entre proyecciones mono-canal y videos presentados en pantallas repartidas por la exposición. Los trabajos exploran diferentes formas de realización —que incluyen metodologías propias del mundo del cine, así como otras técnicas contemporáneas— y problemáticas como pueden ser el tema del cuerpo, la idea del paisaje, la reflexión del carácter social del arte o el humor como espacio para la crítica.

Paul Young, comisariado de la exposición, es periodista y director de una docena de cortometrajes premiados internacionalmente; ha publicado recientemente el libro Art Cinema (Taschen, 2009) y colabora regularmente en diarios como el New York Times y The Los Angeles Times y en revistas como Rolling Stone y Artnews, entre otras.

La exposición REMOTE VIEWING. THE BEST OF LOOP: NEW VIDEO ART FROM EUROPE AND THE AMERICAS se ha presentado en Pacific Design Center de Los Angeles de octubre a diciembre de 2009.

VISIÓN REMOTA quiere ser una muestra del estado actual de las propuestas más innovadoras en el campo del videoarte y ofrecer una visión amplia, y singular a la vez, de las líneas de trabajo más representativas en vídeo desde el 2000. Los trabajos, procedentes de diferentes galerías de arte contemporáneo de todo el mundo, han sido seleccionados a partir de lo que se ha podido ver en las siete ediciones de la Feria LOOP Barcelona (2003-2009). Se trata de un conjunto de casi 50 piezas, entre proyecciones mono-canal y videos presentados en pantallas repartidas por la exposición. Los trabajos exploran diferentes formas de realización —que incluyen metodologías propias del mundo del cine, así como otras técnicas contemporáneas— y problemáticas como pueden ser el tema del cuerpo, la idea del paisaje, la reflexión del carácter social del arte o el humor como espacio para la crítica.

Paul Young, comisariado de la exposición, es periodista y director de una docena de cortometrajes premiados internacionalmente; ha publicado recientemente el libro Art Cinema (Taschen, 2009) y colabora regularmente en diarios como el New York Times y The Los Angeles Times y en revistas como Rolling Stone y Artnews, entre otras.

La exposición REMOTE VIEWING. THE BEST OF LOOP: NEW VIDEO ART FROM EUROPE AND THE AMERICAS se ha presentado en Pacific Design Center de Los Angeles de octubre a diciembre de 2009.

Links de interés:  www.loop-barcelona.com

Lara Almarcegui, Ibon Aranberri, Sergio Belinchón, David Bestué y Marc Vives, Bleda y Rosa, Santiago Cirugeda, Pedro G. Romero, Dora García, Federico Guzmán, Cristina Lucas, Fernando Renes.

El tema de la exposición, que reúne obras de artistas españoles contemporáneos con una fuerte proyección internacional, gira alrededor del espacio con una reflexión comuna sobre la aspiración del hombre de dominarlo.

La conexión del espacio con el tiempo y la memoria hace que algunos de estos proyectos estén relacionados con la mirada histórica de los lugares. La unión de pasado y presente permite dejar constancia del paso del tiempo y trabajar el intento de dejar una huella que una este pasado con el futuro. 

Otros artistas relacionan el espacio con la naturaleza, con una conexión con el land art y con la intención de poner de manifiesto los cambios que se producen por la acción del hombre y las perturbaciones que conducen a una continua transformación del entorno.

También hay una reconsideración del espacio desde diferentes perspectivas, que hacen que pase de ser contenedor a protagonista.

Estas obras han sido producidas por La Casa Encendida, plataforma de arte contemporáneo de Caja Madrid, y seleccionadas por un comité formado por Estrella de Diego, Rafael Doctor, Aurora García, Carmen Jiménez, Oliva María Rubio y Vicente Todolí.

Esta exposición se habrá presentado en París durante el mes de abril en el espacio CIENTO CUATRO (Centro de Producción y Residencias Artísticas) y después de exhibirse en Arts Santa Mònica se inaugurará en La Casa Encendida y en Valencia.

Lara Almarcegui, Ibon Aranberri, Sergio Belinchón, David Bestué y Marc Vives, Bleda y Rosa, Santiago Cirugeda, Pedro G. Romero, Dora García, Federico Guzmán, Cristina Lucas, Fernando Renes.

El tema de la exposición, que reúne obras de artistas españoles contemporáneos con una fuerte proyección internacional, gira alrededor del espacio con una reflexión comuna sobre la aspiración del hombre de dominarlo.

La conexión del espacio con el tiempo y la memoria hace que algunos de estos proyectos estén relacionados con la mirada histórica de los lugares. La unión de pasado y presente permite dejar constancia del paso del tiempo y trabajar el intento de dejar una huella que una este pasado con el futuro. 

Otros artistas relacionan el espacio con la naturaleza, con una conexión con el land art y con la intención de poner de manifiesto los cambios que se producen por la acción del hombre y las perturbaciones que conducen a una continua transformación del entorno.

También hay una reconsideración del espacio desde diferentes perspectivas, que hacen que pase de ser contenedor a protagonista.

Estas obras han sido producidas por La Casa Encendida, plataforma de arte contemporáneo de Caja Madrid, y seleccionadas por un comité formado por Estrella de Diego, Rafael Doctor, Aurora García, Carmen Jiménez, Oliva María Rubio y Vicente Todolí.

Esta exposición se habrá presentado en París durante el mes de abril en el espacio CIENTO CUATRO (Centro de Producción y Residencias Artísticas) y después de exhibirse en Arts Santa Mònica se inaugurará en La Casa Encendida y en Valencia.

Las pinturas de Pat Andrea inspiradas en los dos libros de Lewis Carroll Alicia en el país de la maravillas y A través del espejo se presentan en el Arts Santa Mònica en la primera gran muestra institucional en Cataluña de este artista holandés, considerado uno de los pintores figurativos más importantes de la actualidad.

La exposición, que se ha presentado anteriormente en Francia, Grecia y Holanda, consta de 24 obras de Alicia en el país de las maravillas y 24 de A través del espejo (150 x 180 cm cada una).

Las pinturas de Pat Andrea inspiradas en los dos libros de Lewis Carroll Alicia en el país de la maravillas y A través del espejo se presentan en el Arts Santa Mònica en la primera gran muestra institucional en Cataluña de este artista holandés, considerado uno de los pintores figurativos más importantes de la actualidad.

La exposición, que se ha presentado anteriormente en Francia, Grecia y Holanda, consta de 24 obras de Alicia en el país de las maravillas y 24 de A través del espejo (150 x 180 cm cada una).

La nueva cocina catalana tiene un componente de innovación fuertemente basado en la investigación científica y tecnológica. A la par, el cambio cultural y creativo ha provocado superar el mero hecho de comer convirtiéndolo en una experiencia total. El  espacio Laboratorio se convertirá en un espacio de experiencia sensitiva a todos los niveles: visual, gustativo, olfativo y sonoro. La exposición acerca de esta manera el hecho gastronómico al arte y la performance, con la ciencia como intermediaria de lujo.

La nueva cocina catalana tiene un componente de innovación fuertemente basado en la investigación científica y tecnológica. A la par, el cambio cultural y creativo ha provocado superar el mero hecho de comer convirtiéndolo en una experiencia total. El  espacio Laboratorio se convertirá en un espacio de experiencia sensitiva a todos los niveles: visual, gustativo, olfativo y sonoro. La exposición acerca de esta manera el hecho gastronómico al arte y la performance, con la ciencia como intermediaria de lujo.

La exposición BARCELÓ ANTES DE BARCELÓ, 1973-1982 presenta una selección de la obra inicial y más desconocida de Miquel Barceló (Felanitx, 1957), aquella que va desde 1973 hasta el año de su consagración en el contexto internacional a partir de su participación en la Documenta de Kassel el 1982. El objetivo principal de esta muestra es dar a conocer un conjunto de más de un centenar de obras, muchas inéditas, que presentan algunos de los rasgos más significativos y perdurables en la trayectoria del artista. La exposición se ha dividido en seis apartados: Bestiario, Vanitas, Poesía experimental, Libros, Retratos y autoretratos, y Elementos del paisaje.

Las obras pertenecen a la colección personal de Barceló, a diferentes instituciones públicas y privadas de España y de Francia y a colecciones particulares.

La producción de los tres centros responde a la significación de las tres ciudades en la trayectoria inicial del artista: Palma y Barcelona, con los respectivos contextos culturales, y Toulouse como ciudad donde realiza su primera exposición individual en el extranjero.

La exposición BARCELÓ ANTES DE BARCELÓ, 1973-1982 presenta una selección de la obra inicial y más desconocida de Miquel Barceló (Felanitx, 1957), aquella que va desde 1973 hasta el año de su consagración en el contexto internacional a partir de su participación en la Documenta de Kassel el 1982. El objetivo principal de esta muestra es dar a conocer un conjunto de más de un centenar de obras, muchas inéditas, que presentan algunos de los rasgos más significativos y perdurables en la trayectoria del artista. La exposición se ha dividido en seis apartados: Bestiario, Vanitas, Poesía experimental, Libros, Retratos y autoretratos, y Elementos del paisaje.

Las obras pertenecen a la colección personal de Barceló, a diferentes instituciones públicas y privadas de España y de Francia y a colecciones particulares.

La producción de los tres centros responde a la significación de las tres ciudades en la trayectoria inicial del artista: Palma y Barcelona, con los respectivos contextos culturales, y Toulouse como ciudad donde realiza su primera exposición individual en el extranjero.

Links d’interès: www.palma.miro.cat | www.lesabattoirs.org

Producción catálogo: Cercle de Lectors / Galàxia Gutenberg

Entre el 1976 y el 1977 Jordi Valls grabó en directo ―en 9 cintas de casete― algunos de los primeros conciertos punk que se hicieron en Londres. En estas cintas se ha grabado el sonido más contracultural, subversivo y genuino del punk: The Sex Pistols, The Clash, The Damned, Subway Sect, Billy Idol & Generation X, The Slits, Buzzcocks. El punk es un fenómeno con un impacto radical en el rock y la moda anglosajona, y ahora también en todo el mundo.

El aspecto más interesante del punk es su energía vital, visceral, y la demostración que lo único importante es la intención, el poder de la imaginación, y nada más. Sonido, fotografías, un audiovisual con iconografía punk de Franc Aleu-Urano Films y una instalación son los elementos que nos acercan a esta actitud rebelde y comprometida con su tiempo.

Entre el 1976 y el 1977 Jordi Valls grabó en directo ―en 9 cintas de casete― algunos de los primeros conciertos punk que se hicieron en Londres. En estas cintas se ha grabado el sonido más contracultural, subversivo y genuino del punk: The Sex Pistols, The Clash, The Damned, Subway Sect, Billy Idol & Generation X, The Slits, Buzzcocks. El punk es un fenómeno con un impacto radical en el rock y la moda anglosajona, y ahora también en todo el mundo.

El aspecto más interesante del punk es su energía vital, visceral, y la demostración que lo único importante es la intención, el poder de la imaginación, y nada más. Sonido, fotografías, un audiovisual con iconografía punk de Franc Aleu-Urano Films y una instalación son los elementos que nos acercan a esta actitud rebelde y comprometida con su tiempo.

Concepto:
Jordi Valls i Marc Valls - The Valls Brothers

Dirección videográfica:
Franc Aleu - Urano Films
 
Fotografía:
Salvador Costa, Silvia Resorte
 
Conjuntos grabados:
The Sex Pistols, The Clash, Subway Sect, The Damned, The Slits, Billy Idol & Generation X, The Buzzcocks

Pipilotti Rist, Dara Brinbaum, Antoni Muntadas , Nam June Paik, Wolf Vostell, Frank Gillette i Ira Schneider, Ant Farm, Dan Graham, James Turrel, Vito Acconci, Studio Azzurro

El proyecto TELEVISION DELIVERS PEOPLE. LA TELEVISIÓN Y LAS ARTES explora las relaciones entre arte y televisión desde los años sesenta hasta la actualidad.

Entre las diversas utopías alimentadas por el aparato electrónico, la de realizar una «televisión inteligente», a través de la gestión directa de canales de televisión por parte de grupos de artistas y de la creación de programas pensados como «conciencia crítica» de la televisión, ha producido en Europa y en los Estados Unidos, a partir de los años setenta, experiencias, obras y reflexiones relevantes que son todavía desconocidas. El objetivo del proyecto es el de reunir obras (vídeos y video-instalaciones) y reflexiones (con la publicación de documentos y testimonios) que expliquen las utopías, fascinaciones y agresiones en las relaciones con el televisor, a fin de mostrar a las jóvenes generaciones las prácticas que van construyendo unos mundos posibles que miran más allá del mundo existente. Se trata de establecer un diálogo entre un pasado cercano (los años setenta) y un presente.

El proyecto prevé una muestra de video-instalaciones e instalaciones multimedia (con obras de Nam June Paik, Dara Birnbaum, Pipilotti Rist, Gary Hill, Vito Acconci, Antoni Muntadas, Wolf Vostell y otros), una muestra de vídeos (clasificados por temas: la contrainformación, la parodia de los géneros televisivos, la publicidad y otros) y programas de televisión realizados por artistas (como por ejemplo Andy Warhol y J. L. Godard), una webtv activa mientras dure la exposición con la voluntad de vincular las actividades que se desarrollen en el centro Arts Santa Mònica y la ciudad, aparte de encuentros con artistas.

Pipilotti Rist, Dara Brinbaum, Antoni Muntadas , Nam June Paik, Wolf Vostell, Frank Gillette i Ira Schneider, Ant Farm, Dan Graham, James Turrel, Vito Acconci, Studio Azzurro

El proyecto TELEVISION DELIVERS PEOPLE. LA TELEVISIÓN Y LAS ARTES explora las relaciones entre arte y televisión desde los años sesenta hasta la actualidad.

Entre las diversas utopías alimentadas por el aparato electrónico, la de realizar una «televisión inteligente», a través de la gestión directa de canales de televisión por parte de grupos de artistas y de la creación de programas pensados como «conciencia crítica» de la televisión, ha producido en Europa y en los Estados Unidos, a partir de los años setenta, experiencias, obras y reflexiones relevantes que son todavía desconocidas. El objetivo del proyecto es el de reunir obras (vídeos y video-instalaciones) y reflexiones (con la publicación de documentos y testimonios) que expliquen las utopías, fascinaciones y agresiones en las relaciones con el televisor, a fin de mostrar a las jóvenes generaciones las prácticas que van construyendo unos mundos posibles que miran más allá del mundo existente. Se trata de establecer un diálogo entre un pasado cercano (los años setenta) y un presente.

El proyecto prevé una muestra de video-instalaciones e instalaciones multimedia (con obras de Nam June Paik, Dara Birnbaum, Pipilotti Rist, Gary Hill, Vito Acconci, Antoni Muntadas, Wolf Vostell y otros), una muestra de vídeos (clasificados por temas: la contrainformación, la parodia de los géneros televisivos, la publicidad y otros) y programas de televisión realizados por artistas (como por ejemplo Andy Warhol y J. L. Godard), una webtv activa mientras dure la exposición con la voluntad de vincular las actividades que se desarrollen en el centro Arts Santa Mònica y la ciudad, aparte de encuentros con artistas.

La exposición dedicada a Josep M. Mestres Quadreny permitirá dar a conocer y profundizar en la obra de uno de los más destacados compositores contemporáneos y miembro relevante de la vanguardia catalana, que se ha caracterizado por su relación creativa con otros creadores como los artistas Joan Miró o Antoni Tàpies y el poeta Joan Brossa.

Josep M. Mestres Quadreny (Manresa, 1929) estudió ciencias en la Universitat de Barcelona y música con Cristòfor Taltabull. Ha sido uno de los fundadores de Musica Oberta (1960), el Conjunt Català de Música Contemporània (1969), el Laboratori de Música Electroacústica Phonos (1973) y el Grup Instrumental Català (1976), y actualmente es miembro de la Comisión Delegada del patronato de la Fundació Joan Miró, de la Junta Rectora del Consorcio de l’Auditori i del Consejo Administrativo de la OBC y presidente de la Fundació Phonos. Su exploración creativa es muy vasta: desde obras interpretadas por el público (Self-service) hasta compuestas por un ordenador (Ibemia), pasando por piezas de cámara, sinfónicas (Sinfonía en mi bemol), etc. Con Joan Brossa ha hecho teatro musical (Suite sopla y El armario en el mar) y la ópera Cabeza de mirar. El año 2000 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de la Generalitat de Cataluña. Es autor de varios libros y ensayos sobre música como, por ejemplo, Pensar y hacer música (2000).

La exposición dedicada a Josep M. Mestres Quadreny permitirá dar a conocer y profundizar en la obra de uno de los más destacados compositores contemporáneos y miembro relevante de la vanguardia catalana, que se ha caracterizado por su relación creativa con otros creadores como los artistas Joan Miró o Antoni Tàpies y el poeta Joan Brossa.

Josep M. Mestres Quadreny (Manresa, 1929) estudió ciencias en la Universitat de Barcelona y música con Cristòfor Taltabull. Ha sido uno de los fundadores de Musica Oberta (1960), el Conjunt Català de Música Contemporània (1969), el Laboratori de Música Electroacústica Phonos (1973) y el Grup Instrumental Català (1976), y actualmente es miembro de la Comisión Delegada del patronato de la Fundació Joan Miró, de la Junta Rectora del Consorcio de l’Auditori i del Consejo Administrativo de la OBC y presidente de la Fundació Phonos. Su exploración creativa es muy vasta: desde obras interpretadas por el público (Self-service) hasta compuestas por un ordenador (Ibemia), pasando por piezas de cámara, sinfónicas (Sinfonía en mi bemol), etc. Con Joan Brossa ha hecho teatro musical (Suite sopla y El armario en el mar) y la ópera Cabeza de mirar. El año 2000 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de la Generalitat de Cataluña. Es autor de varios libros y ensayos sobre música como, por ejemplo, Pensar y hacer música (2000).

La exposición es una revisión muy particular de la trayectoria de este artista polifacético siempre interesado por el mundo de la ciencia, su estética y sus palabras. Durante los meses previos a su desaparición el pasado otoño de 2009, Chema Alvargonzález estaba trabajando intensamente en un proyecto retrospectivo y a la vez introspectivo sobre un conjunto diverso de sus obras ya producidas. La revisión plantea el papel del observador y su extraña y a veces imposible relación con lo observado, un tema básico en ciencia. A la hora de imaginarse esta relación, el artista tenía en la cabeza un entramado de puertas balconeras a través de cuyos cristales se podían entrever galaxias y estrellas lejanas. Una materia y unos objetos, como sus alamatinos y sus puntos de luz, que resultan del todo (o talvez sólo casi todo) inalcanzables.

La exposición es una revisión muy particular de la trayectoria de este artista polifacético siempre interesado por el mundo de la ciencia, su estética y sus palabras. Durante los meses previos a su desaparición el pasado otoño de 2009, Chema Alvargonzález estaba trabajando intensamente en un proyecto retrospectivo y a la vez introspectivo sobre un conjunto diverso de sus obras ya producidas. La revisión plantea el papel del observador y su extraña y a veces imposible relación con lo observado, un tema básico en ciencia. A la hora de imaginarse esta relación, el artista tenía en la cabeza un entramado de puertas balconeras a través de cuyos cristales se podían entrever galaxias y estrellas lejanas. Una materia y unos objetos, como sus alamatinos y sus puntos de luz, que resultan del todo (o talvez sólo casi todo) inalcanzables.

La exposición plantea un recorrido cronológico que permite reconstruir visualmente el proceso que conforma la biografía vital, intelectual y estética del poeta catalán Joan Salvat-Papasseit (1894-1924), destacando su aportación al carácter ideológico de la primera vanguardia —literaria y plástica— en Cataluña.

Mediante diversos materiales documentales y puntos de lectura, la exposición ofrece un itinerario que va desde los años de formación ideológica y política del poeta, hasta topar con la fricción estética de las vanguardias, para acurrucarse, finalmente, en una práctica artística y personal más íntima y calmada. La obra literaria de Salvat-Papasseit, en su diversidad y personalidad, como también el contexto cultural y político de la época y la posterior estela salvatiana, se muestran en un formato de documentación y lectura que interpreta la figura del poeta desde la perspectiva del siglo xxi.

La exposición se articula en tres espacios básicos, a partir de la metáfora de las arquitecturas simbólicas que representan la evolución del poeta: «el ateneo», lugar de formación y de colectividad política que representa el tiempo del despertar de la conciencia social y de la primera literatura periodística de Salvat; «la galería», un ámbito de relación con el mundo del arte y los artistas a través de las Galerías Laietanas, donde trabaja Salvat, espacio de recepción de la vanguardia europea; y «el santori», última arquitectura del poeta relacionada con el tiempo de convalecencia y reclusión física y estética. 

Cinco artistas contemporáneos participan en este recorrido haciendo una lectura personal de la obra, el pensamiento ideológico y las relaciones culturales del poeta: Francesc Abad, Isabel Banal-Jordi Canudas, Domènec y Eloi Puig han realizado un proyecto específico para la exposición poniendo de relieve la vigencia y la creatividad del poeta y su escritura ética.

La exposición plantea un recorrido cronológico que permite reconstruir visualmente el proceso que conforma la biografía vital, intelectual y estética del poeta catalán Joan Salvat-Papasseit (1894-1924), destacando su aportación al carácter ideológico de la primera vanguardia —literaria y plástica— en Cataluña.

Mediante diversos materiales documentales y puntos de lectura, la exposición ofrece un itinerario que va desde los años de formación ideológica y política del poeta, hasta topar con la fricción estética de las vanguardias, para acurrucarse, finalmente, en una práctica artística y personal más íntima y calmada. La obra literaria de Salvat-Papasseit, en su diversidad y personalidad, como también el contexto cultural y político de la época y la posterior estela salvatiana, se muestran en un formato de documentación y lectura que interpreta la figura del poeta desde la perspectiva del siglo xxi.

La exposición se articula en tres espacios básicos, a partir de la metáfora de las arquitecturas simbólicas que representan la evolución del poeta: «el ateneo», lugar de formación y de colectividad política que representa el tiempo del despertar de la conciencia social y de la primera literatura periodística de Salvat; «la galería», un ámbito de relación con el mundo del arte y los artistas a través de las Galerías Laietanas, donde trabaja Salvat, espacio de recepción de la vanguardia europea; y «el santori», última arquitectura del poeta relacionada con el tiempo de convalecencia y reclusión física y estética. 

Cinco artistas contemporáneos participan en este recorrido haciendo una lectura personal de la obra, el pensamiento ideológico y las relaciones culturales del poeta: Francesc Abad, Isabel Banal-Jordi Canudas, Domènec y Eloi Puig han realizado un proyecto específico para la exposición poniendo de relieve la vigencia y la creatividad del poeta y su escritura ética.

La muestra presentará un recorrido analítico por la obra de los artistas de la familia Rivel, una de los linajes más relevantes del circo catalán. El recorrido comprende dos itinerarios paralelos de una familia de artistas de primera fila internacional, así como los locales históricos del circo y el music-hall de todo los lugares del mundo donde han trabajado.

El linaje Rivel fue iniciado por el trapecista catalán Pere Andreu i Pausas y la funambulista occitano-madrileña Marie-Louise Lasserre. Casados el 1895, tuvieron seis hijos: Josep (Charlie Rivel), Maria-Lluïsa (Nena), Paul (Polo), René, Marcel (Celito) y Roger (Rogelio). Charlie, Polo y René formaron el famoso trío de payasos Andreu-Rivels que recompusieron sucesivamente los otros hermanos, después de que Charlie se separara de ellos. Rogelio, afincado en Barcelona, ha sido maestro de nuevos acróbatas y payasos. Polo, René y Marcel tuvieron hijos artistas. Charlie Rivel, casado con la caballista española Carmen Busto, tuvo cuatro hijos: Paulina (conocida como Paulina Schumann), Juanito, Charlie y Valentino (los Charlivels, músicos y bailarines acrobáticos). Benny, hijo de Paulina y Albert Schumann, vive en Copenhaguen y continúa la tradición familiar como acróbata y payaso.

La muestra presentará un recorrido analítico por la obra de los artistas de la familia Rivel, una de los linajes más relevantes del circo catalán. El recorrido comprende dos itinerarios paralelos de una familia de artistas de primera fila internacional, así como los locales históricos del circo y el music-hall de todo los lugares del mundo donde han trabajado.

El linaje Rivel fue iniciado por el trapecista catalán Pere Andreu i Pausas y la funambulista occitano-madrileña Marie-Louise Lasserre. Casados el 1895, tuvieron seis hijos: Josep (Charlie Rivel), Maria-Lluïsa (Nena), Paul (Polo), René, Marcel (Celito) y Roger (Rogelio). Charlie, Polo y René formaron el famoso trío de payasos Andreu-Rivels que recompusieron sucesivamente los otros hermanos, después de que Charlie se separara de ellos. Rogelio, afincado en Barcelona, ha sido maestro de nuevos acróbatas y payasos. Polo, René y Marcel tuvieron hijos artistas. Charlie Rivel, casado con la caballista española Carmen Busto, tuvo cuatro hijos: Paulina (conocida como Paulina Schumann), Juanito, Charlie y Valentino (los Charlivels, músicos y bailarines acrobáticos). Benny, hijo de Paulina y Albert Schumann, vive en Copenhaguen y continúa la tradición familiar como acróbata y payaso.

Amasté, Jordi Canudas, Santiago Cirugeda, Josep Maria Martín, Sinapsis

CATALIZADORES es una exposición que se presenta cerrando una trilogía alrededor del proyecto Acciones Reversibles.

Este proyecto se ha basado en experiencias de trabajo a partir de la relación entre educación, arte y territorio como espacio social, buscando, a través de su interacción, maneras que reorienten la práctica artística.

Amasté, Jordi Canudas, Santiago Cirugeda, Josep Maria Martín, Sinapsis

CATALIZADORES es una exposición que se presenta cerrando una trilogía alrededor del proyecto Acciones Reversibles.

Este proyecto se ha basado en experiencias de trabajo a partir de la relación entre educación, arte y territorio como espacio social, buscando, a través de su interacción, maneras que reorienten la práctica artística.